Чудная программа для рисования. Очень качественно имитирует рисование кистью, карандашом и другими инструментами настоящего художника.
Наверное, каждый из нас в детстве мечтал о том, чтобы стать творческой личностью. Чаще всего художником или музыкантом. Вспомните, как Вы изрисовывали целые альбомы, изводя и краски, и бумагу, и терпение родителей. Годы шли, а тяга к рисованию переходила на страницы многострадальных учебников, которые исписывали своими «шедеврами» многие непризнанные «мастера» жанра.
С появлением компьютеров стало возможно «издеваться» над любыми картинками, фотографиями, книгами и пр. без особого ущерба для них (если не забыли сделать копию. Благо для этого есть множество программ, начиная с навороченного Фотошопа , и заканчивая стандартным Paint’ом .
Программа, о которой мы сегодня поговорим, является неким промежуточным звеном между продвинутыми и обычными графическими пакетами. Это продукт новозеландской компании Ambient Design – ArtRage .
ArtRage существует в двух версиях: ArtRage Full Edition (полнофункциональная платная версия) и ArtRage Starter Edition (урезанная до безобразия, но бесплатная). Поговорим, естественно, о бесплатной.
Поскольку русификатора не предполагается, то я буду Вам переводить основные понятия. Итак, перед Вами главное (оно же и единственное) окно программы. На скриншоте Вы можете увидеть, что ArtRage – довольно-таки симпатична по своему дизайну (и это при размере менее 10 мегабайт!!!). Все меню и панели инструментов удобно располагаются вокруг рабочей области таким способом, что не мешают движениям Ваших творческих рук. И, даже если Вам потребуется вылезти на одну из них, панелька тут же услужливо исчезнет с Вашего пути.
Возможности ArtRage
Теперь о возможностях . В полной версии возможности очень и очень неплохие. Это и поддержка слоев, и дополнительные инструменты для ретуши, и оригинальные шрифты, и много чего еще. В бесплатной же версии, хоть и возможно открывать изображения почти с любым расширением, однако более одного слоя у Вас создать не получится. Бесплатная версия, на мой взгляд, предназначена не столько для работы с готовыми фото, сколько для создания собственных рисунков .
Для этой цели (рисования «с нуля») в ArtRage есть довольно неплохие инструменты. По принципу изобразительной техники они напоминают настоящие аналоги, так что художники придут от них в восторг. На следующем скриншоте Вы увидите эти инструменты в действии:
Как рисовать с помощью ArtRage
Управлять программой сможет и ребенок (кстати, детям очень нравятся программы такого типа – красочные и простые). Все, что надо сделать – это выбрать инструмент для рисования, далее выбрать подходящий цвет (можно из палитры, а можно при помощи «Пипетки» или инструмента Tracing) и далее настроить сам инструмент. Для каждого из них существуют такие параметры : (типа Четкость, Яркость), Tilt Angle (Угол наклона), Softness (Мягкость) и Wetness (Уровень смачивания).
Чтобы изменить размер любого инструмента, достаточно нажать «плюс» или «минус» на панели выбора инструментов (в нижнем левом углу).
Теперь рассмотрим нижнюю центральную панель. На ней есть шесть кнопок. Первые три предназначены для перемещения Вашего рисунка: перенос (в горизонтальной плоскости), изменение размера (можно также с помощью окошка 100% на верхней панели или колесиком мыши) и вращение . Из следующих троих в бесплатной версии функционируют лишь Stencils (Трафарет, Шаблон) и Tracing (Трассировка, отслеживание цвета). При этом, если Отслеживание работает нормально, то в Трафаретах Вы сможете использовать только линейку (Stencils - Rulers - Ruler).
Еще одна небольшая фишка – выбор основы для рисования (холст, бумага и т.п.). Для этого создадим новый проект (File - New - Panting) и в открывшемся окне выберем пункт Grain (Зерно). Также можно настроить цвет нашей канвы. Для этого выберите в том же окне пункт Color (Цвет).
Сохранение рисунка
Что касается сохранения рисунков, то тут авторы оставили нам полную функциональность. Вы можете сохранять рисунки в собственном формате ArtRage .ptg (File - Save Painting…/Save Painting As…), конвертировать в любой популярный графический формат (File - Export As Image…) либо вывести файл на печать (File - Print Painting…).
Функция сохранения в заданный графический формат так хорошо продумана, что можно использовать ArtRage в качестве конвертера. Для этого надо просто импортировать нужный Вам файл в программу (File - Import Image…), а далее нажатьСохранить как (Save Painting As…) и выбрать требуемый формат.
Ну вот, кажется, и все. Как полноценный графический редактор бесплатная версия ArtRage никуда не годится, однако для развлечения – самое то. Я вот тоже решил поразвлечься и на скорую руку нарисовал свой «шедевр».
Картина «Ночные огни приморского городка».
P.S. Данная статья предназначена для свободного распространения. Приветствуется её копирование с сохранением авторства Руслана Тертышного и всех P.S. и P.P.S.
Выбор бумаги для рисования карандашом
– задача достаточно непростая. Начинающие художники часто используют для своих иллюстраций обычные офисные листы бумаги или вовсе — тетради в клеточку. Для набросков такой вариант допустим, но если вы собрались становиться профессиональным художником, то нужно изучить данный вопрос детальнее. В данной статье мы рассмотрим основные типы бумаги для художников
, после чего вы сможете определить для себя, на какой бумаге лучше
всего рисовать
карандашом.
Карандаш – очень простой материал для рисования, с которого художники начинают свой творческий путь. Даже любой малыш свои первые линии делает карандашом, прежде чем перейти к более сложному материалу. Но не такой уж карандаш и примитивный, если изучить подробнее. Он способен помочь художнику создать эскизы, различные иллюстрации, рисунки и картины. Карандаши имеют свои виды и любому художнику важно уметь правильно подбирать материал для своей работы, чтобы иллюстрация имела презентабельный вид. Итак, давайте разберемся, как выбрать карандаш для рисования
?
Каждый человек обладает талантами. В раннем детстве мы мечтаем о будущей профессии, но детские желания часто остаются просто фантазиями, ведь не каждый родитель одобрит мечту стать дизайнером или художником, считая, что с такой профессией в жизни будет тяжко, что это невостребованная работа.
Иногда, по разным причинам, нам не хочется, чтобы кто-то знал, что тот или другой наш портрет мы сделали сами. В этом случае хорошо бы исхитриться и сделать автопортрет (селфи) так, как будто нас сфотографировал профессионал. Нужно ли это для нашей странички в социальной сети, или для какого-либо портфолио, или, в конце концов, для личного использования не суть важно.
Добро пожаловать в очередной урок от DarlingMionette! Если вы зашли сюда с мыслями «О, наконец-то я научусь рисовать как она!», можете свернуть окно сейчас же. Вы ошиблись адресом. Данный урок – это руководство по выживанию для художников-любителей-новичков, которые только-только попали на DeviantArt и еще не знают, с чего начать в этом мире искусств. Если вам это не интересно, на сайте вы найдете множество других «пошаговых» уроков по рисованию. Всех остальных приглашаю к чтению…
ИТАК, ВЫ ХОТИТЕ СТАТЬ ХУДОЖНИКОМ
Поздравляю! Вы уже художник. Нет, правда. Если вы решили, что вы художник, то так оно и есть. Все предельно просто. Если вы похожи на большинство художников, то, скорее всего, вы тоже начали с дурацких рисунков на полях тетрадей. Если на вашем рабочем пространстве появляется огрызок чистой бумаги, он обязательно вскоре будет заполнен каким-нибудь рисунком. Цветочком, геометрическими фигурами, или глазами. В вашем арсенале уже есть самый необходимый инструмент, который вам когда-либо понадобится для творчества: это сама необходимость рисовать.
Итак, позвольте теперь сказать по теме… Данное руководство по выживанию – это сборник информации и советов, которые были собраны за многие годы проб и ошибок – это такие вещи, которые уже давно известны художникам среднего и высшего уровня. Мы все познаем их где-то, но на это уходит много времени, и ошибок, если не найдется кто-то, кто укажет на эти ошибки. Итак, я постараюсь вырезать из вашего пути несколько лет проб и ошибок. Я разложу все по полочкам в максимально доступной и организованной форме, чтобы в будущем вы могли вернуться к этой статье за помощью, если понадобится.
ЧТО ТАКОЕ «НАЧИНАЮЩИЙ ХУДОЖНИК»?
Я хочу прояснить этот момент с самого начала этого урока, потому что я не хочу, чтобы вы думали, что «начинающий» значит работающий на полставки. В контексте этой статьи к термину «начинающий» относится любой художник, который только начал знакомиться с основами рисования. Художники среднего уровня (как я) – это те художники, у которых есть определенный навык, и сильная база, но которые продолжают развиваться, дабы продвинуть свой талант на следующий уровень. Художники высшего уровня (как я их называю) – это художники, которые на зубок знают все фундаментальные основы искусства. Могут нарисовать фигуру человека, не моргнув и глазом… могут по-мастерски раскрашивать… Ну, что лукавить… они тоже работают часами… и продолжают учиться (на самом деле, человек всегда находится в процессе развития), но у них десятки заказов, и работы их публикуются во всевозможных галереях и журналах, они могут даже работать на Disney или Pixar (на DeviantArt-е таких немного, как вы могли бы подумать).
Когда вы станните художником среднего уровня? Не знаю. И никто не может знать. Все зависит от вашего стремления, и от того, сколько работы вы готовы вложить в свое творчество. С каждым новым рисунком вы должны стараться научиться чему-то новому.
ЧТО БЫ ВЫ ХОТЕЛИ НАУЧИТЬСЯ РИСОВАТЬ?
Подумайте об этом минутку.
Ладно, это был вопрос с подковыркой. Ответ должен быть «ВСЕ». Слишком много художников вступает в мир искусства с мыслями «Я хочу научиться рисовать людей/животных/фон/комиксы/аниме/и т.д.» Но, если вы будете всегда стремиться к этой позиции, вы, конечно, научитесь рисовать эти вещи… но никогда не подниметесь выше уровня новичка – потому что рисунок это не только люди/животные/фоны/комиксы/аниме и т.д. В рисунке всегда будет что-то еще, что-то другое. Так что ставьте себе цель научиться рисовать все на свете, а не только что-то одно.
ПОЧЕМУ ФАН-АРТ ПОДОБЕН ЯДУ?
Прежде чем любители фан-арта убьют меня, позвольте сказать, нет ничего страшного, если вы время от времени создаете фан-арт. Большинство из нас грешат этим. Фан-арт может быть блистательным, но тут то и проявляется его ядовитость. Если вы только и делаете, что рисуете фан-арт, вы никогда не станете художником, каким хотите себя видеть. Большую часть искусства занимает креативность, а если вы постоянно будете рисовать чужих персонажей, вы не будете тренировать свою креативность так, как это делают художники, которые изо дня в день создают новых героев и персонажей. Все просто. Так что давайте, делайте свой фан-арт, но время от времени откладывайте его в сторону и позволяйте себе создавать что-то новое.
СТИЛЬ
То, что я сейчас скажу, прозвучит немного противоречиво. Многие художники скажут, что «никто не научит вас стилю», «это неповторимая черта, которая приобретается с годами опыта». Но это не совсем так. По большому счету, ваш стиль в вашей власти. То, как вы держите карандаш, то, как видите цвета и формы… никто не может научить вас этому. Но вы можете ускорить процесс определения своего стиля, и я расскажу вам КАК (это даже не будет амбициозной «практикой»).
Подготовьте листок бумаги и карандаш, затем создайте на своем рабочем столе новую папку. Назовите ее «Вдохновение». У любого художника, который ищет идеи/стиль, такая папка имеется. Даже у меня. Теперь, вам нужно пройтись по галереям DeviantArt-а. Советую начать с самых популярных работ, потому что большинство из них – это лучшее, что DeviantArt может предложить, к тому же вероятность, что вам из этого что-то понравится, намного выше, чем, если бы вы просто просматривали галереи одну за другой. Ваше задание: найти творчество, которое вам понравится. Речь не идет о старых рисунках, которые «типа крутые».
Ищите то, что заставит вас остановиться и сказать «ВАУ! Я тоже хочу так рисовать!». Сохраняйте все в папке «вдохновение», накопите несколько десятков разных работ разных художников и стилей, потом откройте эту папку и просмотрите все рисунки внимательно, один за другим – определите отличительные черты каждой работы, сравните стили. Вам нужно установить личное предпочтение.
Вы начнете замечать шаблоны. Может, у 90% сохраненных вами рисунков будет присутствовать контур (лайнарт). Может на всех из них будут круглые глаза. Может, на них будут изображены грациозные девушки… или темные, откровенные сцены. Это все ваш стиль, ваш почерк. Как только вы поймете, что вам нравится, вам будет намного легче научиться рисовать в вашем уникальном стиле (и вероятность того, что вы постоянно будете менять свой стиль, сведется к минимуму).
Многие новички просто берут и копируют стиль, который им нравится в данный момент. Они даже не стараются что-то изменить в нем, сделать его более «своим». Это может быть стилем, но уже точно не вашим, и никогда таковым не будет.
Запомните, копированием картинок и рисунков, которые вам нравятся, вы не добьетесь ровным счетом ничего. Так что, давайте теперь делать эскизы. Начните с лица. Помните, что вы не должны копировать каждую черточку отдельного рисунка. Скажем, вам нравится определенный стиль круглых глаз… но ресницы вам могут нравиться из другого стиля, так же как и зрачок. Это нормально, можете собирать свой стиль по частям. В этом и весь смысл. Не думайте о том, чтобы сделать все идеально, просто повторяйте те аспекты, которые вам больше всего нравятся, а затем посмотрите на то, что получилось, со стороны. Скорее всего, результат получится… не ахти. Поэтому на этом этапе вы начинаете все исправлять. Возможно, стиль лица, который вам нравится, не очень хорошо сочетается с глазами, которые вы выбрали… поэтому исправляйте все ошибки, линии, пропорции… дорабатывайте все до тех пор, пока не останетесь довольны результатом. Больше никогда не пытайтесь копировать чужие стили из вашей папки «вдохновение», просто продолжайте исправлять то, что получилось «неудачно». В конечном счете, у вас получится нечто похожее на те стили, которые вам нравятся, но это будет что-то совершенно новое. Добро пожаловать в ваш новый стиль. Возможно, вам еще потребуется кое-что отработать, но теперь вы хотя бы знаете, с чего начинать.
Вначале вы, наверняка, думали «я хочу рисовать аниме как (вставьте любое имя)!», но теперь у вас есть нечто свое. Это может быть немного аниме, или что-то совершенно другое – но это точно будет ВАШИМ. Только прошу вас, не забывайте о следующем: а) не копируйте чужой стиль полностью; б) и перестаньте редактировать рисунок, если он уже получился «лучше, чем когда-либо до этого». Исправляйте рисунок до тех пор, пока не останется ничего, что будет резать глаза. Даже если это займет у вас несколько дней.
РАБОЧАЯ ЭТИКА
УРА! У вас теперь есть собственный стиль. Это, конечно, круто, но это далеко не все, что вам нужно. Итак, ваш следующий инструмент: рабочая этика. Не важно, насколько вы талантливы, если у вас нет хорошей рабочей этики, вы быстро скатитесь в «никуда». Рисуйте столько, сколько можете. Участвуйте в конкурсах, предлагайте работу на заказ, рисуйте что-то личное (для себя)… не важно, что именно вы будете рисовать, лишь бы РИСОВАЛИ – составьте список дел и работайте по нему, соблюдая график. Нет настроения рисовать сегодня? ВСЕ РАВНО РИСУЙТЕ! Остался час до приема у врача? Начните раскрашивать недавний рисунок. Можете быть уверены, если вы хоть на один день решите «отдохнуть» от творчества, этот отдых затянется на недели. Затем на месяцы. И годы. Поэтому старайтесь, заставляйте себя рисовать хоть что-то, но каждый день.
НЕ ИДИТЕ ПО ПУТИ НАИМЕНЬШЕГО СОПРОТИВЛЕНИЯ
Самая большая характерная черта всех новичков – желание схалтурить. Вы даже представить себе не можете, сколько времени уходит у художника среднего/высшего уровня на создание отдельной иллюстрации!
На создание эскиза у меня уходит где-то 6 – 12 часов… исправление линий, исправление исправленных линий, удаление, начало с нуля. Прорабатывайте свой эскиз на столько, на сколько это возможно, потому что это может быть ЕДИНСТВЕННОЙ возможностью что-то вообще исправить. Если вам хоть что-то в эскизе не нравится, исправьте это и продолжайте исправлять до тех пор, пока не будете довольны результатом. Пусть хоть на это уйдет целый месяц. Если вы не заставите себя делать работу «лучше», она никогда не станет таковой – и, поверьте мне, если вы вовремя не исправите свои ошибки на стадии эскиза, то, когда вы будете заканчивать свой рисунок, этот - пусть даже самый малюсенький - недочет все равно никуда не денется, и будет мозолить вам глаза и дальше.
Контурный рисунок (лайнарт) занимает у меня примерно 6 - 48 часов . Я не заканчиваю работу над контуром, пока все линии не будут на своем месте, чистые и аккуратные. Лайнарт – самая кропотливая из всех стадий работы над рисунком, но если сделать его хорошо, он может очень круто изменить качество вашей работы.
На раскрашивание плоскими цветами у меня уходит в среднем от 2 до 6 часов . Не допускается раскрашивание с выходом за границы контура, и никаких вам белых незакрашенных точек.
Плюс ко всему я провожу от 4 до 10 часов на полноценное раскрашивание каждого рисунка . Я обязательно слежу за тем, чтобы везде присутствовали тени и текстуры, даже на самых маленьких деталях – потому что рисунок собирается из деталей.
Сложим все, и получим от 16 до 76 часов непрерывной работы над одним рисунком . И это, не учитывая походы в туалет, перекусы и прочую работу. Именно такая работа – без халтуры – поднимет ваш уровень таланта до продвинутого. Это единственный возможный способ стать хорошим художником – так что будьте готовы к многочасовой работе. Через год вы скажете мне спасибо.
ОБРАЗЦЫ – ВАШИ ПОМОЩНИКИ
Это не жульничество. Это не уменьшит ваши творческие способности. Если вы можете идеально нарисовать человека без образца, нас это не впечатлит – потому что, если вы перестаете обращаться за помощью к образцам, вы перестаете развиваться. Все, даже самые великие художники пользуются ими.
Обращайтесь к фотографиям и реальной жизни, а не к другим художникам.
Если художник, к чьим рисункам вы обращаетесь за помощью как к образцам, не знает, как правильно рисовать руки, то и вы ничему хорошему не научитесь, копируя их. Научитесь рисовать НАСТОЯЩИЕ руки, только потом можно научиться подгонять их под какой-то стиль. Вы должны сначала понять, как нужно делать «правильно», прежде чем начнете изменять это и называть «стилем». Если же вы пренебрежете этим правилом и будете называть «это» стилем, то вы просто будете обманывать сами себя и покрывать свою неспособность рисовать, и поверьте мне, это будут знать все.
НЕ РИСУЙТЕ ТО, ЧТО ВИДИТЕ
Рисование изгибов, которые вы видите глазами, не поможет вам до тех пор, пока вы не поймете причину возникновения этих изгибов. Если вы просто копируете что-то, не задумываясь о его объемной форме, о структуре, которая не заметна глазу, то, можно сказать, вы просто рисуете линии. Вы не сможете нарисовать бедро в разных ракурсах, пока не представите себе, как оно выглядит под разными углами.
НИКОГДА НЕ ВЫБРАСЫВАЙТЕ СВОИ РИСУНКИ
Поверьте мне, лучше этого не делать. Если вы все же хотите избавиться от какого-то ужасного рисунка, то хорошо… просто сохраните его, переименуйте, и отложите куда-нибудь подальше. Начните рисовать новый рисунок. Когда-нибудь, может через неделю, или год, или даже через 10 лет вы найдете этот «ужасный» рисунок и скажите «Вот это да! Как же я вырос!». Нет ничего лучше, чем просматривать свои старые работы и смеяться над ними. Вы почувствуете, что добились многого и можете теперь этим гордиться.
К тому же, вполне возможно, что у вас была потрясающая идея, которую вы просто не смогли воплотить, находясь на начальном уровне художественного развития… но, скажем, через год это может быть вам по силам.
НА ЛУЧШИХ ПРОИЗВЕДЕНИЯХ ИСКУССТВА ЕСТЬ:
1. Свет. Даже в самых темных картинах используется свет, чтобы передать атмосферу рисунка и привлечь внимание зрителя к фокусным точкам. Изучите все возможное об источниках света. Поверьте, это вам пригодится.
2. Контраст и цвет. Изучите теорию цвета и светотени. Даже если вы не самый лучший художник, при наличии отменной цветовой палитры и хорошего контраста, ваш рисунок уже будет сиять.
3. Детали. Даже если вы просто делаете фан-арт на любимое аниме, если в вашем рисунке присутствуют детали, то вы автоматически переходите на уровень выше остальных начинающих художников. Это, конечно же, не значит, что нужно перегружать рисунок 16 браслетами, 6 кольцами на пальцах и 12 пирсингами… и все на одном персонаже. Ради всего святого, во всем знайте меру. Но помните, что ничто не идеально. Я напомню о некоторых деталях, которые, скорее всего, вылетели из вашей головы: шаблоны (узоры), пуговицы, молнии, кружево, текстура, веснушки, родинки, шрамы, волоски, выбивающиеся из общей массы волос, потрепанные/застаренные вещи, грязь, пятна, маленькие обитатели природы, насекомые, лужи, рюкзаки, и швы.
Например… скажем, у вас есть обувь. Шнурки не должны быть идеальными. Может, на одном конце шнурка образовался узел. Может, на одной из дырочек отвалилась металлическое кольцо. А может на пятке кто-то нацарапал «I
Это, конечно, не единственные важные элементы хорошего рисунка, но, если вы учтете все три пункта, у вашего творчества будет намного больше почитателей, чем у тех, кто игнорирует их.
БУДЬТЕ ОБЩИТЕЛЬНЫ
Итак, вы научились рисовать, вы много практикуетесь и подняли свой талант на новый уровень, но у вас всего 2 последователя/фоловера (DeviantArt-е их называют watchers), и один из них просматривал вас еще до того, как в вашей галерее хоть что-то появилось, а второй – ваш лучший друг. Как же получить новых последователей и набрать много лайков? Будьте общительны. Оставляйте доброжелательные отзывы другим людям, ставьте лайки чужим работам, которые вам нравятся. Поздравляйте с днем рождения – отправьте им ламу:) Мы сейчас не говорим о банальных «Спасибо!» и «Круто!». Потратьте немного своего времени и оставьте честный, искренний отзыв/комментарий. Если вам ответят больше одного раза, можно начинать спрашивать, как у них дела. Читайте их журналы/блоги и комментируйте их посты о личных происшествиях. Главное, всегда быть искренним и любезными.
Большинство людей начнет реально обращать на вас внимание после того, как некоторое время ваше имя будет «мелькать у них перед глазами». Они зайдут и на вашу страничку и просмотрят вашу галерею, или оставят комментарий в вашем журнале/блоге. Нужно сделать так, чтобы вас заметили. Если вы никогда не оставляете комментариев, или не пишите в журнале/блоге, никогда не отвечаете людям и не ставите никому лайков, то можете считать, что вас на DeviantArt-e не существует.
Помимо всего сказанного: будьте вежливы, дружелюбны и искренни. Никогда не знаешь, вдруг тот самый незнакомец, с которым вы однажды познакомились, окажется сотрудником какого-то крупного издательства комиксов и покажет своему боссу ваше имя, ПРОСТО, ПОТОМУ ЧТО ВЫ ЕМУ ПОНРАВИЛИСЬ.
Такое РЕАЛЬНО случается.
РАБОТА ПОД ЗАКАЗ
В последнюю очередь по счету, но не по значению, давайте поговорим о заказной работе. Понятно, что вы хотите работать за деньги. Ну, а кто не хочет, чтобы им платили за творчество? Мы ЛЮБИМ творчество. Так, вот с чего нужно начинать.
1. Установите свои правила, и будьте очень тверды в своем решение. Знайте, что вы умеете рисовать лучше всего, чему вы хотите научиться, и сколько вы хотите получать за свою работу.
2. Начните с низких цен. Сначала у людей не будет к вам доверия – поэтому начните с более «комфортных» цен. После того, как у вас за плечами будет 10 или 20 заказов, цену можно будет повысить. Вы уже доказали свою ответственность (создайте список людей, с которыми вам довелось работать… людям нравится видеть, чего вы добились!).
3. Делайте свою работу, и делайте ее в четко отделенное для этого время. Поддерживайте связь с теми, кто заказал у вас рисунок. Спрашивайте их мнение, вы должны четко понимать, чего они хотят, и никогда не тяните резину. Люди хотят получить свой заказ, и хотят они его на 5 минут раньше обговоренного времени.
Было ли с вами такое – вы пришли на выставку и вдруг поняли, что вокруг работы одних новичков? Как их распознать? Какие ошибки начинающих художников свойственны любительской живописи?
Многие начинающие художники делают одни и те же ошибки. Их легко могут заметить как профессиональные художники, так и обычные зрители.
Ниже приведен список самых распространенных ошибок новичков. Он поможет вам их избегать, а ваши работы перестанут выглядеть посредственнымы и скучными.
ОШИБКИ НАЧИНАЮЩИХ ХУДОЖНИКОВ
Ошибка №1. Рисовать все, что видите
Не пытайтесь быть фотоаапаратом. Вы создаете картины, в них – ваше собственное видение мира, изображаемых объектов.
Вы не обязаны рисовать каждую деталь лишь потому, что она есть в реальности.
Будьте избирательными – включайте только те элементы, которые подчеркнут каждый конкретный сюжет. Фотография – ваш помощник. На ней есть все необходимые элементы, но какие из них включать – решаете только вы.
Кроме того, когда вы пытаетесь достичь фотореализма в своих работах, даже маленькие незначительные ошибки в несоблюдении размеров, углов наклона и тому подобные, будут очень заметны зрителю.
Vincent van Gogh – Public Domain
Ошибка №2. Быть заложником сюжета
Не обязательно рисовать объекты в том месте, где они находятся на самом деле. Вы можете менять их местоположение, если это усилит композицию картины. Это верно для любого жанра, в том числе и для пейзажа.
Можете совмещать элементы с разных фотографий. В этом случае важно помнить про то, где находится источник освещения.
Если вы рисуете узнаваемое место, передвигать объекты в рамках картины может быть проблематично. Вместо этого можно сдвинуть вторичные или переменные элементы или вовсе от них отказаться. К таким элементам относятся фигуры людей, зонты, мебель, цветы и т.д.
Ваша основная задача – передать сюжет, ухватив его суть, и подобрать для этого лучшую композицию из возможных.
Ошибка №3. Размещать главные элементы в центре картины
Не размещайте главный элемент картины строго в центре, иначе взгляд зрителя будет прикован только к нему.
По этой причине избегайте и размещения по центру основных линий, таких как край стола, ствол дерева. Они как будто разрезают картину пополам вертикально или горизонтально.
Есть одно простое композиционное правило – расстояние между объектами должно быть разным. Это значит, что вы должны применить разнообразие ко всем элементам картины, чтобы привлечь внимание зрителя и заставить его взгляд блуждать по ней.
Если вы работаете над пейзажем – меняйте форму и размер ваших деревьев, смешивайте разные оттенки зеленого, обратите внимание на расстояния между объектами. Избегайте однотипных рядов деревьев или кустарников одного размера.
Даже если вы рисуете такой упорядоченный, с заданной формой, объект как забор, добавьте немного разнообразия – сделайте местами шире зазоры, наклоните пару досок, а то и вовсе пропустите одну.
Великолепная работа Винсента Ван Гога “Ирисы”. Густые мазки краски, чуть размытый фон, продуманные линии, прекрасная композиция и размещение центра картины.
Ошибка №5. Одинаковое количество деталей на переднем и заднем планах
Эта ошибка особенно часто встречается у тех, кто рисует не с натуры, а по фотографиям.
На фотографиях сохраняется огромное количество деталей и почти все они в фокусе. Вы можете ясно разглядеть и травинку на переднем плане, и ветку дерева вдали.
Однако наши глаза видят по-другому. Если мы сосредоточим взгляд на одной области, все остальное будет размыто.
Решите где будет центр вашей работы, нарисуйте его более подробно.
Не детализируйте все области картины одинаково. Как правило, в фоне очень мало деталей, их количество постепенно увеличивается к переднему плану и композиционному центру картины.
Ошибка №6. Использовать готовые зеленые оттенки
Поражает разнообразие и насыщенность зеленых оттенков, встречающихся в природе. Их невозможно подобрать, используя лишь краску из готовых заводских тюбиков и кювет, сколько бы их у вас ни было.
Основное преимущество покупки зеленых оттенков – они всегда у вас под рукой. Однако вы добьетесь куда больших успехов, смешивая готовые цвета с другими, чтобы добиться желаемых оттенков.
“Они будут продавать вам тысячи оттенков зеленого цвета. Veronese green, изумрудный, кадмий зеленый, и любой зеленый, который вы только пожелаете, но нужный – никогда.” – Пабло Пикассо
Яркие и похожие друг на друга оттенки зелени присутствуют в работах многих начинающих художников. Вы сразу заметите, что они используют готовые зеленые краски.
Чтобы избежать подобной ошибки, смешивайте свои оттенки зеленого, добавляя разные цвета. Добавив синий к зеленому, вы сделаете его холоднее. Желтый цвет сделает зеленый оттенок более теплым, а красный цвет приглушит яркую зелень.
Poor Fisherman, 1896, by Paul Gauguin
Ошибка №7. Нежелание учиться смешивать собственные зеленые оттенки
Похоже на разобранную выше Ошибку №6, но речь немного о другом.
Когда вы смешиваете зеленые оттенки, то будете получать разные вариации в зависимости от используемых голубых и желтых цветов, а также их пропорций в смесях.
Но! Зеленые, полученные путем смешивания только синих и желтых оттенков, как правило, слишком яркие по сравнению с реальными цветами в пейзаже.
Каждое зеленое растение или объект имеет несколько иной оттенок – насыщеннее, теплее, холоднее или даже тускнее чем тот, что вы получили.
Некоторые оттенки, расцененные нами как зеленые, вообще оказываются синими или очень тусклыми желтыми, местами встречается и серый цвет.
Смешивая зеленые оттенки из синих и желтых, добавляйте туда оранжевые или красные, посмотрите как они приглушают зелень.
Обратите внимание на то, что зеленые оттенки в пейзаже меняются в зависимости от времени суток, цвета света и времени года. То, что утром кажется вам сине-зеленым, вечером может быть окрашено в желто-зеленый цвет. Зеленые оттенки более насыщенны весной и тусклые осенью, во время листопада они более оранжевые.
Ошибка №8. Экономный расход краски
Это трудноискоренимая привычка – использовать малое количество краски, экономить.
Ничто так не говорит о непрофессиональности художника как неуверенные, боязливые, скупые мазки.
Смешайте в два раза больше краски чем вам нужно и используйте ее. В конечном итоге у вас может остаться лишняя краска, но это не так страшно.
Будет хорошо, если вы начнете работу над картиной с тонких слоев, но по мере заверешения ваши мазки должны быть более густыми, решительными, уверенными. Оставьте их такими, не трогайте.
Не возвращайтесь назад и не пытайтесь переделать уже наложенные мазки. Придите к согласию с собой, чтобы оставить их как есть, даже если вам трудно на это решиться.
Иногда краска, нанесенная на холст, выглядит иначе чем на палитре и не соответствует вашим ожиданиям. Не исправляйте сразу же. Поработайте над другой областью и подождите. Когда вы снова вернетесь к этому участку, то уже успокоитесь и посмотрите более “свежим” взглядом. Примите решение – стоит ли повозиться с этим участком еще немного или он хорошо смотрится и так?
Ошибка №9. Рисовать то, что знаешь, а не то, что видишь
Это типичная ошибка как совсем новичков в рисовании, так и тех, кто уже занимается какое-то время.
Например, мы знаем, что дом белого цвета, и рисуем его белым.
Мы знаем, что цветок пурпурный, и рисуем его пурпурным.
Часто мы принимаем за реальный цвет объекта тот цвет, что видим когда мы смотрим на него близко и под прямым источником света.
Это же касается и форм. Мы знаем, что сосна треугольная, а тарелка круглая, и рисуем их в соответствии с заложенными общими образами, даже не пытаясь наблюдать, анализировать, сравнивать.
Прищурьте глаза и посмотрите на объект. Обратите пристальное внимание на форму, негативное пространство, структуру. Что темнее? Что легче? Задавайте себе такие и похожие вопросы.
Белый цвет в тени темнее чем черный на свету.
Мой мозг не принимает это утверждение автоматически, но если я прищурюсь и начну пристально вглядываться в объекты, то смогу удостовериться в том, что это верно.
Ошибка №10. Использовать неверный цвет в работе, чтобы не выбрасывать оставшуюся краску
Краски стоят дорого. Поэтому когда на палитре скапливается большое количество неиспользованной краски, то одна мысль о том, чтобы ее выбросить вызывает боль. Мы начинаем искать варианты куда бы ее пристроить, не так ли?
Но когда мы начинаем смешивать оставшийся большой кусок смеси тускло зеленого цвета с чем-то другим, то на выходе получаем что-то не менее тусклое или даже серое.
Прекратите пытаться исправить залежавшуюся смесь. Начните сначала. Не используйте неправильный цвет в работе. Или найдите ему иное применение – в качестве “серого” или добавляя по чуть-чуть, чтобы нейтрализовать другие яркие цвета.
Используя в своей работе неподходящие цвета лишь в целях экономии, чтобы они не пропадали впустую, вы рискуете конечным результатом и впечатлением от вашей живописи.
Ошибка №11. Рисовать только жесткие границы
Когда я только начала рисовать, я и понятия не имела, что бывают жесткие, мягкие и даже исчезающие границы, края. Большинство границ моих объектов были жесткими. Иногда я случайно делала мягкие края там, где нужно, пытаясь повторить то, что видела в реальности. Позже я узнала, что есть несколько правил когда применять тот или иной вид краев.
Итак, что такое мягкий край? Он проявляется когда вы объединяете цвета вместе, вливая один в другой. Жесткий край проявляется когда цвета не смешиваются и это подчеркивается формой объекта.
Ошибка №12. Работать над картиной кистями неподходящих размеров
Кисти бывают разной ширины и диаметра. Кисти маленьких размеров используются только для прорисовки деталей, они понадобятся вам в самом конце работы. Не поддавайтесь желанию взяться за них слишком рано, это приведет к тому, что ваша картина будет перенасыщена деталями.
Мне нравится начинать работать с кисточками больших размеров, ими я рисую основные формы. Затем я перехожу на кисти средних размеров для более мелких объектов. В конце берусь за маленькие кисточки, заканчиваю работу над деталями картины.
Как определить размер самой большой кисти, нужной вам для работы? Это зависит от размера ващей будущей картины. Например, если я рисую на формате 15 х 15 см, то начинаю с кисти 2,5см, постепенно меняя кисточки на более мелкие.
Чем больше размер вашей заготовки, тем большего размера кисть вам нужна. Для больших полотен 76 х 102 см я использую в начале флейцевые кисти 5 или 7 см (их можно найти и в строительных магазинах). В процессе работы я заменяю их на художественные кисти более мелких размеров.
При помощи больших кисточек вы наносите сразу больше краски. Но это не единственная причина, по которой вам стоит начинать работу с них. Они объединяют ваши мазки, позволяют им выглядеть цельно.
Когда нужно переходить на кисти более мелких размеров? Как можно позже. Работайте с большими кисточками ровно столько, сколько сможете, прежде чем заменить их.
Ошибка №13. Беспокоиться из-за результатов
Доверяйте своим инстинктам и верьте в себя!
Страх – одна из самых коварных опасностей, поджидающая начинающих живописцев. Ученики боятся сравнения с другими более талантливыми учениками. Начинающие художники боятся как оценят их творчество более опытные живописцы. И каждый боится критики и негативных отзывов зрителей.
Страх пораждает неуверенность в себе. Для художника подобные метания и сомнения в принятых решениях особенно опасны – они обязательно отразятся на картине.
Иногда это даже не страх, что ваша работа кому-то не понравится, а страх перед тем, что напрасно тратите дорогие художественные материалы (прочитайте еще раз ошибки №8 и №10).
Откиньте все сомнения и опасения, доверяйте своим инстинктам, верьте в себя!
Следуйте за своей творческой звездой и наслаждайтесь процессом!
Существует стереотип, который утверждает, что далеко не каждый может стать художником. Но это не так, ведь научиться рисовать может любой человек, стоит только приложить должное количество усилий.
К сожалению, большинство молодых художников совершают одни и те же ошибки в пору своей неопытности. Чтобы помочь вам их избежать, мы собрали самые лучшие, на наш взгляд советы. Прислушайтесь к ним, ведь каждый художник проходил через этап «граблей», поэтому эти советы – не что иное, как накопленные знания на чужом опыте.
1. Выучите основы рисования.
Это первый и самый главный совет. Будь у вас хоть необъятный талант, вы все равно должны знать такие вещи, как композиция, анатомия/фигура, перспектива, объем, свет и так далее. Без этих знаний вы не сможете называться профессиональным художником.
2. Равняйтесь на лучших.
Пускай ваш друг и неплохо рисует, не стоит сравнивать себя с ним. Изучайте и анализируйте биографии и работы известных художников, тогда вы сможете найти что-нибудь полезное для себя не только в рисовании, но и в стиле жизни.
3. Воспринимайте критику адекватно.
Во-первых, человек может просто не понять ваше произведение, такое случалось далеко не с одним художником. Во-вторых, если критика конструктивна, то стоит к ней прислушаться. Но если вы будете остро воспринимать каждое негативное суждение о себе, то потеряете мотивацию творить и опустите руки.
4. Рисуйте с умом.
Если вы только начинающий художник, задумайтесь о том, какой смысл в том, что вы рисуете. Подумайте о том, что вам есть сказать другим с помощью своего творчества. Несите посыл в своих картинах, а не просто рисуйте модные картинки или голых девушек. Должно быть что-то большее, что вы можете дать людям.
5. Рисуйте свое воображение.
Уже давно отпала необходимость точно срисовывать окружающий мир – появились камеры и фотоаппараты. У художников появилась свобода рисовать абстрактно, и вообще все, что взбредет в голову. Так пользуйтесь этой возможностью!
6. Общайся с нужными людьми.
И тут мы имеем в виду не только тех людей, которые могут практически помочь вам в вашей сфере деятельности. Каждый творческий человек знает то чувство, когда определенные люди как-то угнетающе влияют на вдохновение и способность творить. Подумайте, стоит ли вечер с банкой пива и плоского юмора среди таких людей того, что вы потом не сможете собрать себя в руки. Такие компании попросту сбивают вас с творческой волны, не принося ничего позитивного в вашу жизнь.
7. Никогда не останавливайтесь.
Ни один великий художник не сказал фразу «я достиг совершенства», потому что нет никакого предела, который бы мог очертить максимальную высоту мастерства. Поэтому не останавливайтесь на достигнутом и продолжайте учиться и работать над собой.
8. Читайте книги.
Читайте не только специфические книги о рисовании, но и художественные. Они подарят вам вдохновение и разовьют ваше воображение. Что может быть лучше для обретения музы, чем погружение в совершенно другой мир?
9. Не ищите оправданий.
Вместо того, чтоб подбирать себе причину, по которой вы не сделаете что-либо, просто сделайте то, что должны. Подумайте, сколько раз за день вы себе говорите фразу «Я не сделал это, потому что…».
10. Не пренебрегайте отдыхом.
Умственная деятельность истощает не меньше, чем физическая. Поэтому делайте паузы в своей работе, иначе вы растеряете свои духовные силы и не найдете в себе ни вдохновения, ни мотивации к действиям.
11. Высыпайтесь.
Не стоит жертвовать сном ради рисования по той же причине, что и в предыдущем совете. Не отдыхая достаточное количество времени, ваш мозг попросту откажется нормально работать, и вы будете только и думать, что о сне.
12. Не старайтесь отполировать свои рисунки.
Посмотрите на произведения великих художников и постарайтесь найти там идеальные линии и формы. Можем поспорить, что у вас не получится. Попытки нарисовать что-то идеально не приведут ни к чему другому, кроме испорченных нервов. Экспериментируйте с формами и стилями, и вы поймете, какую технику надо использовать, рисуя определенные сюжеты.
13. Всегда пробуйте что-то новое.
Если вы любите драмы – смотрите комедии, если любите рок – попробуйте послушать джаз. Новое – это всегда бесконечный ресурс вдохновение и знаний. Перестаньте быть консерватором и зацикливаться на чем-то одном.
14. Будьте реалистами.
Ничего не делается быстро, поэтому не стоит отчаиваться, если у вас и через пару лет практики не получается хватать звезды с небес. Недостаточно нарисовать десять человеческих фигур, вам придется нарисовать их сотни, и даже тысячи, чтоб добиться нужного результата. Ищите себя и не забывайте о постоянной практике.
15. Старайтесь замечать все вокруг.
Ходите по уже знакомым местам и старайтесь найти какие-то мелочи, которые вы не заметили раньше. Такая тренировка поможет вам научиться обращать внимание буквально на каждую букашку на вашем пути. А там кто знает, может эта самая букашка и станет объектом вашего вдохновения.
